С начала XVI в. статуя была помещена в Бельведер Ватикана, в связи с чем получила название Аполлона Бельведерского. Была прославлена в XVI — XVIII вв. как совершенное творение скульптуры. «Отец истории искусств» — Иоганн Винкельман видел в ней «высший идеал искусства среди всех произведений древности». Мерилом красоты она была и в России XIX в.

Фигура построена смело и оригинально. Аполлон как бы появляется из глубины пространства. Все его тело в движении. За спиной у него висел колчан для стрел, в протянутой левой руке был лук, в опущенной правой — украшенная лентами лавровая ветвь, остатки которой сохранились в копии на пне (пень — добавка копииста). Ниспадающая сзади и переброшенная через руку мантия создавала фон для высокой стройной фигуры. В отличие от более статических фигур высокой классики идеал божества IV в. до н.э. — это динамика и смелый порыв. Облик Аполлона чрезвычайно элегантен. Обращает на себя внимание его пышная, изысканная прическа с завязанным бантом наверху. Отсюда недалеко до холодного аристократизма и манерной вычурности, но статуя Аполлона Бельведерского сохраняет равновесие между широким обобщением и мелочной детализацией.

Оригинал статуи приписывают скульптору Леохару, который вместе со Скопасом и двумя другими мастерами работал над декором Галикарнасского мавзолея.


Бронзовый слепок со статуи, сделанный в 18 веке. Оригинал статуи, который был бронзовый, а не мраморный, как сейчас, должно быть выглядел как-то вот так, только без фигового листка, конечно (Sir John Soane’s Museum, London).

Причина №1: Он очень красивый

Эта статуя Аполлона, действительно, очень красива. Судя по стилистике, ее создали в эпоху Александра Македонского, период эллинизма, когда греческие скульпторы в своем мастерстве достигли настоящих вершин, не только гармонии, но и эмоциональности. Предполагается, что ее автор — придворный скульптор великого царя по имени Леохар. Она построена по идеальным принципам гармонии и золотого сечения: классически правильное лицо симметрично, а вот поза построена по принципу противопоставления, движения в разные стороны (контрапост), что очень приятно глазу и создает даже в спокойной статуе эффект движения, ощущение жизни.

Но это не главное. Мало ли было в эпоху эллинизма грамотно созданных статуй. Главное — совсем другое!


Левая рука и ладонь правой у мраморного подлинника были отбиты. То, что мы видим на слепках — результат реставрации Джованни Анджело Монторсоли, микеланджеловского сотрудника.

Причина №2: Его нашли в правильное время

Статую (которая является римской мраморной копией с утраченного бронзового оригинала) извлекли из-под земли в Италии примерно около 1489 года. И это было очень правильное время: Ренессанс! Все культурные люди той эпохи тогда безумно фанатели по античному искусству, примерно как молодежь 1960-х по битлам. Найди ее кто пораньше — и верующие христиане могли бы спокойно пережечь на известь, такое паскудство языческое, разбить или в лучшем случае снова закопать. Найди ее кто попозже, когда музеи уже были перенасыщены находками античности — она бы так не прогремела. А тут она была обретена в правильное время, и художники Возрождения (не только итальянцы, но и приезжие, например, Дюрер), вдохновлялись ею при изучении канонов идеального мужского тела.


Сопоставление статуи и незаконченного изображения Альбрехтом Дюрером фигуры библейского Адама. А Микеланджело, например, вдохновлялся им же, создавая фигуру Иисуса Христа в Страшном суде Сикстинской капеллы.

Причина №3: Его нашли в правильном месте и отдали кому надо

Тут дело не только в том, что его нашли в Италии. Данного Аполлона откопали в месте, где главным был просвещенный священник по имени Джулиано делла Ровере. Позже он войдет в историю как папа римский Юлий II — мощный политик и очень энергичный покровитель искусств, кормивший Микеланджело, Рафаэля, Браманте и многих других. Статуя из его личной коллекции стала «государственной» собственностью Ватикана и заняла почетное место в важнейшем музее того времени. Именно в том музее, куда за впечатлениями съезжались со всего мира.

Собственно, так Аполлон Бельведерский и получил свое прозвище: в честь ватиканского дворца Бельведер (что переводится как «прекрасный вид»).


Наполеон у статуи Аполлона Бельведерского. Это был один из трофеев, которые он забрал из Италии в Лувр в 1798 году. В 1815 году статую вернули на место

Причина №4: Любовь конкретного арт-критика

Начиная со времени находки, 15-го века, слава статуи оставалась на высоте. Но в 18-м веке, когда любовь к холодному классицизму достигла особенного упоения и распространилась до всяких заснеженных Екатеринбургов и заморских Вашингтонов с Бостонами, Аполлон Бельведерский, с его идеальным застылым спокойствием, стал настоящей «иконой».

Одной из главных причин к этому была в том, что таким его назначил Винкельман, знаменитый художественный критик и теоретик. Он воспевал «благородную простоту и тихое величие» этой скульптуры. А художники, архитекторы, ну и простые потребители искусств читали немца Винкельмана и слушались его мнения даже сильнее, чем коммунисты — Карла Маркса (возможно, и по той причине, что Винкельман написал все-таки меньше).

Гете, Шиллер, Байрон, Пушкин и т.п. подхватили эстафету этого воспевания, сделав красоту Аполлона Бельведерского и его совершенство — уже литературным фактом.


На этом портрете 1812 года знаменитый русский портретист Дмитрий Левицкий написан рядом со слепком головы Аполлона Бельведерского, как символа изящных искусств (худ. Иван Яковлев).

Поколения художников-академистов учились рисованию, проводя часы за воспроизведением гипсовых черт этой статуи. Подсознательно и намеренно черты Аполлона Бельведерского проникли во множество произведений 18-19 века. Даже А. Иванов моделировал своего Иисуса в «Явлении Христа народу» вслед за идеальными пропорциями этой статуи.

Сегодня эта статуя такой популярностью не пользуется: даже контемпорари-художники над ней не издеваются в своих инсталляциях. А это явный признак падения славы. Впрочем, главное, что мы, любители классических искусств, все-таки о нем еще помним.

Петербуржцы! Кто пропустил, обратите внимание, что я еду к вам, и ко мне можно будет попасть на лекцию.

Посмотрев выставку Венецианцев, прошли ещё по нескольким залам Пушкинского музея. Всё не обошли, многое осталось на потом.

Осмотрела Цветаевскую коллекцию слепков. Очень полезная вещь, я считаю. Всё посмотреть в живую невозможно, не хватит всей жизни, а тут тебе показывают копии этих великих произведений. Красота!

Римляне, у которых в республиканскую эпоху существовали главным образом только два вида скульптуры — портрет, развившийся на основе погребальных масок, и надгробие — алтарь, — в ранней империи, когда в Риме уже находилось множество памятников, вывезенных из завоеванных греческих городов, осваивали новые для них жанры. Самым популярным среди них была «идеальная пластика» — изображения богов и героев.

1.Аполлон кифаред из Помпей и 1-А — Статуя юноши Эрот Соранцо. Римская копия греческого бронзового оригинала около 460 г. до н.э.

.

1.Статуя Аполлона кифареда из Помпей(чёрная) — оригинальное произведение римского мастера «в греческом духе». Вероятно, таких произведений в частных домах римлян и в общественных сооружениях типа храмов и форумов было много.

1-А. Статуя известна под именем Эрота Соранцио, по названию дворца Соранцо в Венеции, где она хранилась долгое время. По мнению большинства исследователей, в изображенном мальчике-подростке скульптор хотел показать победителя в атлетических состязаниях. Существуют и другие версии в определении сюжета.

2. Римская копия Киниска из Мантинеи с бронзовой статуи скульптора Поликлета. около 450 г. до н.э. Британский музей в Лондоне:

Оригиналом считают статую победителя в Олимпийских играх Киниска из Мантинеи. Предполагают, что в не сохранившейся правой руке юноши был венок победителя. Скульптором прекрасно разработана мускулатура и форма тела.

3. Аполлон Шуазель-Гуффье, Римская копия с греческого оригинала 470-460 гг. до н.э.

В римских копиях установлено несколько типов статуи божества, восходящих к мастерам той эпохи. Один из наиболее привлекательных среди них — т.н. Аполлон Шуазель-Гуффье. Статуя отличается полнокровностью, весомой материальностью форм и особой статуарной устойчивостью. Настроение самопогруженности, задумчивости, тихой грусти свойственно многим произведениям «строгого стиля».

4. Значительное место в раннеклассическом периоде в искусстве Древней Греции (рубеж VI – V веков до н.э.) занимает декоративная скульптура.

Фронтон храма Афины Афайи на о.Эгине. В центре — богиня Афина, по сторонам воины греческого и троянского лагерей.

Храм, построенный на месте древнего святилища, был посвящен Афине, культ которой соединялся с почитанием местной богини Афайи. При раскопках в начале XIX века были найдены фрагменты скульптурного декора храма.

Воины с восточного фронтона храма Афины Афайи на о. Эгине 490-480 гг. до н.э.:

В сложных положениях показаны воины — порой почти опрокинутыми на спину или еле-еле держащимися на ногах. После продолжительного периода, когда было принято показывать фигуры неподвижными, мастера осмелился изобразить быстрые движения воинов.

Геракл, стоя на одном колене, натягивает тетиву лука, целясь во врага. Положение тела, необходимое для боя, оказывается естественным, а потому отличается большей красотой. И сражённый воин.

Западный фронтон храма Афины Афайи на острове Эгина, под ним статуи:

Из 22 экспозиционных залов Музея, задуманного и созданного Иваном Владимировичем, около половины было отведено пластическому искусству Античности.

5.Пэоний мз Менде.Ника — богиня победы:

Скульптура находилась перед храмом Зевса в Олимпии. Мастер изобразил Нику на фоне плаща, развиваюшегося за её спиной. От встречного ветра одежда плотно облегает тело, так что создаётся впечатление её прозрачности. Ника Пэония — одна из первых попыток передать идею окрылённости в греческой скульптуре.

Слева — Афина и Геракл со стимфалийскими птицами, западная метопа храма Зевса в Олимпии.468-456 гг. до н.э.. Мрамор:

6. Гермес. Римская копия греческого оригинала второй четверти V в. до н.э. Хранится в музеях Ватикана:

Афина и Марсий Римские копии с греческих бронзовых оригиналов 460-445 гг. до н.э.:

Две фигуры иллюстрирует миф о том, как Афина однажды сделала из кости оленя авлос — двойную флейту, но обнаружила, что при игре лицо ее безобразно искажается. В гневе она отбросила флейту прочь, наложив проклятье на каждого, кто осмелится поднять ее. Марсий, найдя флейту и начав играть на ней, вскоре так уверовал в свой успех, что вызвал на состязание самого Аполлона. За эту дерзость Марсий был жестоко наказан: по приказу Аполлона с него содрали кожу.

7.Помню был этот дискобол в моём детстве в учебнике истории.

«Дискобол» — одна из наиболее прославленных статуй античности; первая классическая скульптура, изображающая человека в движении. Оригинал «Дискобола» — статуя из бронзы, считающаяся работой скульптора Мирона, жившего в середине V века до н. э., — не сохранился, он был утерян в Средние века, но представлен многочисленными копиями римского периода.

Тело атлета представлено в сложном повороте — в стиле Figura serpentinata, что было чрезвычайно трудным в исполнении и в то же время смелым приёмом.

8. Голова Афины из группы «Афина и Марсий» Марсий — в древнегреческой мифологии сатир, пастух, наказанный
Аполлоном за выигранное состязание.

Римская копия греческого оригинала работы скульптора Мирона из Элевтер 460-450 гг.до н.э. Хранится в Дрездене.

9. скульпторы Критий и Несиот воздвигли памятник двум историческим лицам — Гермодию и Аристогитону:

которые в 514 г. до н.э. совершили покушение на афинских тиранов Гиппия и Гиппарха. Убит был лишь последний. Оригиналы работ исчезли, однако римские репродукции сохранились. Наиболее полные мраморные копии находятся в национальном музее Неаполя.

10.Голова белокурого «эфеба». Эфеб — в древнегреческом обществе — юноша, достигший возраста, когда он обретал все права гражданина (16 лет, в Афинах — 18), становясь членом эфебии — общности молодых людей-граждан полиса. С этого времени молодой человек привлекался к военной службе, которую проходил до 20 лет.

11.Голова Афины из скульптурной группы храма Афины на о.Эгина.500-490 гг. до н.э. хранится в Мюнхене.

13. Мальчик, вытаскивающий занозу, I в. до н.э; копия греческого оригинала. Бронза.Находится в Капитолийском музее.:

По одной из версий, спартанский мальчик во время состязания в беге занозил ногу, превозмогая боль продолжил бег и первым прибежал к цели. Только после этого он вытащил занозу. Статуя уникальна тем, что она не терялась из виду во времена Средних веков, всегда оставаясь доступной для обозрения (в отличие от многих других антиков, которые с триумфом будут извлекать из земли во время Ренессанса). «Мальчик» был одной из первых римских статуй, которые принялись копировать на заре Возрождения.

14. Чиоли, Валерио, Нарцисс.Ок.1560 г. Мрамор:

По мнению специалистов, скульптура представляет собой древнеримскую копию с греческого оригинала, которая была существенно переработана мастером XVI века Валерио Чиоли, занимавшегося реставрацией античных памятников. В результате реставрации в XVI веке у статуи появилась новая голова, а в XIX была добавлена поднятая левая рука. Возможно, что это изображение Нарцисса, юноши, влюбившегося в собственное отражение в воде, ранее являлось центральной фигурой фонтана.

15.На фоне статуй Поликлета: Дорифора — копьеносец, Диадумена — атлета с победной повязкой и победительницы в беге, 1 век до н.э:

II. Перейдём в зал Микеланджело Буоноротти. Здесь можно увидеть гипсовые копии работ величайшего мастера эпохи Возрождения – Микеланджело Буонарроти.

1.Мадонна из Брюгге, 1501-04 гг:

— единственная статуя Микеланджело, которая еще при его жизни была вывезена из Италии, чтобы украсить церковь Нотр-Дам в городе Брюгге.. Мадонна не прижимает к себе сына и даже не смотрит на него, её взгляд устремлён в сторону, как если бы ей открылась предначертанная ему судьба.

2.Оплакивание Христа, флорентийская пьета или Пьета с Никодимом.

По утверждению Вазари, голова Никодима была автопортретом старого Микеланджело, а сама скульптурная группа
предназначалась для его надгробия:

Этого Христа, снятого с креста, держит Богоматерь, подхватывая его снизу, ей с усилием помогает стоящий в ногах Никодим, которому, в свою очередь, помогает одна из Марий, видя, что силы матери иссякают и что, побежденная скорбью, она не выдержит.

3.Пьета:

«Оплакивание Христа» — первая и наиболее выдающаяся пьета, созданная Микеланджело Буонарроти. Это единственная работа скульптора, которую он подписал (по сообщению Вазари, подслушав разговор зевак, которые спорили о её авторстве). Копии «Пьеты» можно видеть во многих католических храмах по всему миру, от Мексики до Кореи.

Моисей:

Считается, что вождь иудеев изображен в тот момент, когда он, спустившись с горы Синай с заповедями, обнаружил вдруг, что его народ, не дождавшись лидера, придумал себе идола – золотого тельца, и поклоняется ему. Отсюда и грозный взгляд, и отведенная назад левая нога – готовность встать. Рога на голове Моисея появились вследствии неправильного перевода. Слово «qeren» подразумевало перевод — рог или луч света, почему-то выбрали рога.

5.Умирающий раб (пленник):

Проект надгробия папы Юлия II существовал в нескольких вариантах. Один из них включал статуи рабов, которые должны были находиться на нижнем ярусе. Микеланджело успел закончить 2 из них, и начать 4, когда работа над этим вариантом была остановлена. Окончательный вариант гробницы не включал статуи рабов.

6.Микеланджело Буонарроти, Скорчившийся мальчик. Между 1530-1534 г.

Статуя, предназначенная для капеллы Медичи, осталась незаконченной.

7.На переднем плане Скованный Раб. Как и «Умирающий раб» она исполнена для неосуществленного проекта надгробия Юлия II, и затем попала к французскому королю Франциску I. В напряжении тела, в движениях, в лице связанного юноши так много решимости и несломленной воли, что уже современники называли статую также «Восставший раб»;

8.На заднем плане — Гробница Лоренцо Медичи.1520-1534. Саркофаг украшают фигуры «Утра» и «Вечера». «Утро» представлено в виде пробуждающейся от тяжкого сна молодой женщины; сложное движение ее тела разработано скульптором в мельчайших подробностях, поверхность мрамора тщательно обработана. Это самая законченная из статуй ансамбля.